Siguiendo con el especial sobre Halloween de estos días quería recomendaros unas cuantas películas para ver la noche del 31 de octubre. Lo más fácil sería recurrir a películas de terror como Halloween de John Carpenter o a clásicos imperecederos como The Rocky Horror Picture Show, pero nosotros queremos ir más allá. Os proponemos cinco películas ambientadas en Halloween para ver la noche en cuestión.

No recurramos siempre a la efectiva carta de las películas de terror, aunque si eso es lo que queréis en Extracine han hecho un interesante recopilatorio de películas terroríficas que podéis visionar esa noche, eso si, con las luces encendidas y en buena compañía. Si preferís algo diferente y menos terrorífico, seguir leyendo este post.

The Nightmare Before Christmas (1993) de Henry Selick

Aunque es una película típica navideña no podemos olvidar que los personajes principales de esta historia viven en Halloween Town y su líder es ni más ni menos que Jack Skellington, el alma de la fiesta. La introducción de la película nos transporta a ese mundo en el que se vive por y para el Halloween, un mundo plagados de brujas, vampiros, monstruos, calabazas y terror. Jack, el Rey Calabaza, se siente vacío, incompleto y aburrido ante la perspectiva de planificar un nuevo Halloween, está harto de hacer siempre lo mismo. Su depresión le lleva a descubrir la ciudad de la Navidad y a Santa Claus, ese mundo de color, alegría y buenos deseos le sorprende y le gusta, tanto que decide convertirse en el Señor de la Navidad. Un clásico del cine moderno indispensable.

The Halloween Tree (1993) de Mario Piluso

Película de animación basada en una novela corta de Ray Bradbury u que cuenta la historia de cuatro amigos que la noche de Halloween se disfrazan para ir casa por casa a pedir el truco o trato. Cuando Tommyh, Henny, Ralph y Wally van a buscar a Pipkin, el último del grupo pero el chico está enfermo y lo encuentran subiendo a una ambulancia para ir al hospital donde lo operarán de urgencia. Pipkin les pide que vayan de fiesta sin él y que disfruten. Preocupados por la salud de su amigo, los chicos siguen a la ambulancia pero por el camino toman un atajo y terminan en una casa misteriosa donde habita el señor Moundshroud. Este hombre misterioso los enviará a través del tiempo para que descubran el verdadero significado de Halloween y salvar la vida de su amigo. Los chicos visitarán Egipto para aprender del Libro de los Muertos, luego conocerán a unos druidas celtas, a París donde la catedral de Notre Damme está a punto de ser finalizada y a México. Una película llena de magia, humor y terror que habla sobre la amistad, el sacrificio y la muerte. Magnífica y entrañable. El relato en el que se inspira también está muy bien.

Hocus Pocus (1993) de Kenny Ortega

Salem, hace trescientos años tres hermanas brujas, Winifred, Mary y Sarah fueron condenadas a muerte, la leyenda dice que si alguien enciende una vela en la casa de las brujas durante Halloween ellas regresarán de la muerte, y así es, un joven llamado Max, para impresionar a una chica, trae de vuelta a las temibles brujas. Las tres hermanas intentarán mediante la magia alcanzar la inmortalidad, para ello deben recitar un conjuro antes del amanecer, de no lograrlo morirán. Max, su hermana pequeña, Allison y el niño convertido en gato Thackery Binx tratarán de evitar que las malvadas hermanas logren su objetivo.

Película infantil con un reparto encabezado por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y donde podemos encontrar a unos jovencísimos Sean Murray (NCIS) y Thora Birch. Hocus Pocus cumple a la perfección como producto familiar, divertida, con sus toques de tristeza necesaria, sus momentos de acción, una escena musical impagable y un final feliz que complace a todos.

Sleepy Hollow (1999) de Tim Burton

En 1820 Washington Iving escribió el relato de terro La leyenda de Sleepy Hollow o La Leyenda del Jinete sin Cabeza. Una historia típica de Halloween y que en 1999 fue trasladada a la gran pantalla con gran acierto por Tim Burton. Ichabod Crane (Johnny Deep) es un policía en la Nueva York de finales del siglo XVIII, sus jefes le envían a la pequeña población de Sleepy Hollow donde se han llevado a cabo una serie de macabros asesinatos que los lugareños achacan al jinete sin cabeza, una leyenda local. La película es visialmente impecable, retorcida, gótica y oscura, perfecta para la noche de Halloween.

Trick 'r Treat (2007) de Michael Dogherty

Película que se desarrolla el día de Halloween y que mezcla varias historias donde podremos encontrarnos con hombres lobo, asesinos, vampiros y fantasmas. En un pequeño pueblo de Ohio varias personas sufrirán por no respetar las tradiciones de la noche de Halloween. Un grupo de amigos descubre la verdad tras un accidente de autobús escolar sucedido en Halloween, un joven vestida de Caperucita Roja encontrará a un hombre que no es lo que parece, el director del instituto local se deja llevar por sus más bajos instintos y un anciano se enfrenta a un demonio gamberro con muy mala idea. Y no digo más porque es una película que hay que ver; es muy divertida, original y un film de culto instantáneo

Platos voladores que penden de hilos, monstruos de látex que en vez de asustar divierten, guiones que pretender ser serios con líneas como: "El señor Pleyel ha sido asesinado. ¡Traigan un doctor, rápido!" (LOL de "El fantasma de la ópera", 1943).

No sólo los fanáticos del género (si hay fanáticos de la estrellita más trasnochada de Operación Triunfo, cómo no van a existir fans del Clase B) disfrutan de estas cintas. También cineastas respetados por la industria gozan con cada proyección de una de Bela Lugosi, y hasta copian recursos de estos títulos. Roger Corman, director de "Wasp Woman" (bella mujer de día, y de noche ¡avispa!) y uno de los estandartes de las películas "de segunda", es admirado abiertamente por Martin Scorsese y James Cameron. Ed Wood ("Plan 9 del Espacio Sideral", buenísima de tan mala) se convirtió incluso en una figura sobrevalorada a partir del film-homenaje de Tim Burton, "Ed Wood".

Otrora cine basura, títulos como "La novia del monstruo", sobre un científico loco que quiere dominar al mundo con una nueva raza de adefesios humanos, hoy son piezas de colección de cinéfilos y geeks de todo el mundo. ¿Cuántos de nosotros no querríamos tener el póster original de algunas de éstas en el cuarto de casa?

"La repetición del error confirma un estilo", dijo alguna vez Pedro Almodóvar. Aquellas cintas de robots de lata, o de animales que devoraban gente como en "Tarantula" -donde aparece un entonces desconocido Clint Eastwood-, ayudaron a codificar un lenguaje llenos de desbordes, primeros planos de gritos, cortes de cámara pésimamente hechos... que configuraron una estética particular y sumamente divertida.

El origen de la especie

Superada la depresión de 1929, los poderosos estudios de cine invirtieron fortunas en las películas de grandes estrellas y decorados suntuosos. Por lo bajo, y con las sobras de las superproducciones, se rodaban metros de celuloide para completar los amplios programas de los cines.

A esta industria del descarte fueron a parar algunos directores lunáticos y actores sin mayores oportunidades, quienes trabajaban con la libertad del que no tiene mucho o nada que perder.

Como la libertad que tuvo Ed Wood (mi favorito) en "Glen o Glenda", que se animó a presentar, a su modo, un punzante alegato a favor del travestismo en 1943. Algo que hubiese sido imposible desde el cine mainstream.

Otro ejemplo es "La invasión de los ladrones de cuerpos" (1956, Don Siegel), donde se permite -a partir de los zombies- una segunda lectura contra el macartismo que sacudía entonces a la cultura estadounidense. A propósito, ¿cuánto le debe la ciencia ficción y las cintas de terror de todos los tiempos al cine clase B? La manera brillante de George Romero de criticar las políticas de los países dominantes, hilando fino en sus simples historias de muertos vivientes... ¿cuánto de esto hay que retribuírselo al genial e infravalorado Don Siegel?

En los años 60, las grandes productoras en crisis intentan reducir costos librándose de los films de baja categoría. Los realizadores independientes continuarían la tarea de saciar la demanda de morbo y adrenalina. Aparecen joyas (clase b) como "Un millón de años AC", con una Raquel Welch que parte la tierra, en la que se puede disfrutar de cavernícolas con pancita y mujeres prehistóricas de prolijos peinados al estilo 1960 -y por supuesto, perfectamente depiladas-.

Con los años, la producción del cine de bajo presupuesto no ha mermado. Ahora, por supuesto, lejos de los estudios y sólo en manos de cineastas independientes que con poco hacen mucho (un ejemplo es la película "El mariachi" un "milagro", como la catalogó la crítica que Robert Rodríguez filmó con sólo 23 años y muy pocos billetes en su bolsillo).

Las cosas por su nombre

• Clase B: películas de bajo presupuesto, pero con pretensiones de espectacularidad. Se caracterizan por su temática fantástica.

• Cine Bizarro: ambiguo término que abarca al cine de rarezas, de terror o fantástico. Generalmente hace referencia al mal cine desde un punto de vista de calidad final, pero no sólo al de bajo presupuesto (viene del italiano, fogoso, esforzado, raro). Absolutamente recomendado el libro "Cine Bizarro" de Diego Curubeto.

• De culto: film que pocos han visto pero que provoca fanatismo en esa reducida platea.

• Gore: el "encanto" se encuentra en las vísceras que se exhiben. Morbo.

• Clase Z: la clase B es Avatar comparadas con estas.

El universo de las películas "de bajo coste" genera fascinación por sus intenciones artísticas, sus pretensiones de "obra de arte", pero por sobre todo por sus yerros, su estética chirriante, y por esa lógica antojadiza que sólo respeta el dictado de la imaginación.

El recomendado para tu Geekoteca

Antes de la superproducción de "Los 4 Fantásticos" existió otra cinta sobre los preferidos de Stan Lee, filmada por el propio Roger Corman (si Ed Wood es el abuelo del género, Corman es el padre). La historia es muy curiosa. Una productora tenía los derechos adquiridos para llevar al cine la historia del Elástico y compañía. Derechos que se estaban por vencer. Unos meses antes de esto, decidió hacer con poco dinero, una película que amortizara los costos. Se invirtió sólo millón y medio de dólares (nada para este tipo de producciones). Y los resultados están a la vista. La película es pésima, pero como sucede con la mayoría de los films clase B, no puedo dejar de verla. ¿Se animan?

En 1999, cuando apenas cursaba la secundaria, mis amigos y yo fuimos a ver The Blair Witch Project. La cinta había creado mucha expectativa sobre su posible "carácter real" (vamos, estábamos en pañales en ese tipo de historias) y tuvo un legado considerable al instaurar un género que, a falta de un mejor nombre, llamaré horror documental. Como toda idea que tiene éxito en Hollywood, la fórmula ha sido explotada a más no poder: tómense unos testimonios por allá, unos encuadres en primera persona por acá, una iluminación mala, una cámara que se mueve, una amenaza que no se ve y ¡voilá! Un filme de costo modesto que, bien llevado, puede ser una joya en taquilla.

Dentro de este subgénero surge The Bay, una película que se estrenará el 2 de noviembre en Estados Unidos. The Bay es un filme dirigido por Barry Levinson, quien tiene como mayor hito haber estado detrás de Good Morning, Vietnam. Los productores son los mismos de Paranormal Activity, una de las franquicias de terror que mejor recepción ha tenido en los últimos años (y que mejor ha entendido cómo explotar su subgénero). Yo no había escuchado sobre ella, hasta hoy que se reveló el tráiler. Debo decir que, con todo y la fórmula gastada, me ha parecido atractiva. Les dejo el avance para que lo miren y después comentaré mis razones.

La historia va de una colección de lugares comunes. Inicia en un pueblo pequeño de Estados Unidos (¿por qué las poblaciones chicas tienen tan mala suerte?), donde ocurre un fenómeno inusual: todos los peces de la bahía están muertos. El filme se narra de una manera documental, con decenas de testimoniales de por medio; aquí hay que admitirle un poco de originalidad, porque usa fragmentos de cintas caseras, webcams, cámaras de seguridad y hasta conversaciones en Skype. El culpable de la masacre es una plaga extraterrestre que devora los órganos internos de su huésped y termina por tomar control de sus cuerpos. Sí, básicamente, un parásito que convierte a sus víctimas en zombis. Por supuesto, el pueblo es colocado en aislamiento por el gobierno y nadie sabe nada. El filme explota esto, quedando como la prueba única de lo que realmente ocurrió.

¿Por qué suena tan atractiva, a pesar de sus clichés? Los filmes de horror dicen mucho de los temores actuales de una sociedad. En la trama se entremezclan varios como el miedo a las enfermedades (en este caso, reflejado como la plaga de parásitos), el caos social (con el posterior ataque de los infectados) o la opacidad gubernamental (que nadie sepa qué ocurre; el aislamiento del pueblo), especialmente en temas ambientales. Es curioso cómo el mismo tráiler habla de una información filtrada, que funciona muy bien como un gancho para el espectador que quiere saber lo que se oculta, lo clasificado, lo no revelado.

A primera vista, The Bay suena como la típica película que verías un domingo por la tarde, pero por lo que se mira en el tráiler, puede tener un poco más. Así como The Blair Witch Project nos enseñó lo fácil que es manipularnos (y atemorizarnos) con algo que se ve real, no dudo que The Bay nos muestre, mediante la ficción, un poco sobre qué nos aterra hoy en día. En el peor de los casos, bueno, por lo menos suena como un buen pretexto para sacarnos algún grito en la sala de cine.

Les dejo con el afiche oficial de la película:

A propósito del día de resurrección, te proponemos una lista con las mejores películas de zombies, para que puedas culminar la Semana Santa con una programación alternativa a la infame parrilla de televisión.

Recuerdo cuando las parrillas de los canales de televisión se llenaban de películas de romanos y superproducciones relacionadas con la muerte de Cristo siempre que llegaba la Semana Santa. Eran los tiempos de peliculones como Quo Vadis (1951, Mervyn LeRoy), The Robe (1953, Henry Koster), The Ten Commandments (1956, Cecil B. DeMille), Ben-Hur (1959), Barraba (1961, Richard Fleischer), The Fall of the Roman Empire o incluso The Greater Story Ever Told (1965, George Stevens), que se repetían una y otra vez cada año, para delicia de cinéfilos que podían disfrutar, a su manera, esta festividad religiosa, fueran o no practicantes. Sin embargo, los hábitos de las nuevas generaciones, que rechazan este tipo de películas, denostándolas por viejas y antiguas, han abierto el camino a producciones televisivas sobre los mismos temas, pero de infame calidad artística.

Si el año pasado proponía, desde Extracine, una selección de filmes vinculados en mayor o menor medida, no tanto con la vida de Cristo, pero sí con el cine de romanos que caracterizaba estas fiestas, propongo en esta ocasión ir un poco más lejos y, siempre apelando a la ironía y el sentido del humor, hacer una selección de las diez mejores películas de zombies, dado que, al fin y al cabo, lo que recuerda la Semana Santa es la muerte y resurrección de Cristo. Una excusa excelente para hacer una retrospectiva por las películas más interesantes que ha dado un subgénero del cine de terror que siempre se ha preocupado de los muertos que "resucitan", y que tan de moda está últimamente. Es posible que no encuentres tu favorita, pero esta lista es total y completamente subjetiva, por lo que sólo tienes que añadir tu favorita o aquella que eches en falta en los comentarios. Porque una cosa es matar zombies, y otra muy diferente es hacer propaganda del derecho al uso a las armas con esa misma escusa.

10. Dawn of the Dead (1978)

La primera parada no podía ser en otro sitio que no fuera una película de George A. Romero. Puede que el cineasta neoyorquino no haya sido el primero en mostrar zombis en la gran pantalla, pero a través de una película como Night of the living deads (1968), se deshacía de los mitos de la magia negra y el culto vudú que los relacionaba con Haití, para que los muertos pudieran resucitar en cualquier parte del mundo y a partir de cualquier causa. Los zombis que conocemos hoy en día son, sin lugar a dudas, hijos de Romero.

De entre sus películas, aunque aprecio considerablemente la segunda que reincidía sobre el tema, The Crazies (1973), mi favorita sigue siendo Dawn of the Dead (1978). Si bien muchos interpretaron que Romero, en su ópera prima, alertaba sobre una sociedad dominada por el gobierno en la que todavía se respiraba un latente racismo, así como denunciaba la decadencia de un modelo familiar que seguía teniendo al hombre como pilar de sustento, en su segunda película sobre el tema desarrolló la parábola de una sociedad que vive sometida al poder totalitario de un gobierno que ha elegido ella misma. Titulada en Latinoamérica como El amanecer de los muertos vivientes o simplemente como Zombi en España, la tercera incursión de Romero en el universo zombie arremetía directamente contra la sociedad de consumo ubicando la acción de la película en un centro comercial. Qué adelantado y certero que sería en sus predicciones y cuantos zombis deambulan todavía hoy en día por los templos de la cultura capitalista.

9. Das Kabinet des Dr. Caligari (1920)

Antes de que llegara la que se consideraría primera película oficial de zombis, White Zombie (1932, Victor Halperin), emergía en el seno del movimiento expresionista un muerto viviente con las particularidades de Cesare, el sonámbulo y clarividente de la película dirigida por Robert Wiene en 1920, El gabinete del doctor Caligari. Alejado de las dos líneas principales que desarrollaría después el género, sin duda queda como un precedente único y original, capaz todavía de inquietar y perturbar al espectador. ¿Y qué haría un gótico sin tener un modelo estético como este?

8. The serpent and the rainbow (1988) | I walked with a zombie (1943)

Todo mito y leyenda surge de un concepto real y el origen de los zombies, más allá de una figura metafórica o terrorífica, también tiene el suyo. Wes Craven, tan dado a los excesos cinematográficos y los clichés terroríficos, sorprendía en los años ochenta con una película como La serpiente y el arco iris, en la que un antropólogo llegaba hasta Haití buscando una extraña substancia que podría ser utilizada con fines médicos y que no era otra cosa que, aquello que ingerido antes de morir, llevaba a los "muertos" a volver en forma de zombis. Una línea argumental que se alejaba de la de George A. Romero, pero que tenía un precedente tan interesante como aquella cinta de terror dirigida por Jacques Tourner y producida por Val Newton, en la que los zombis ya estaban vinculados con el vudú y la magia negra y que, más que ser una maldición sobrenatural, estaba provocado por el hombre.

7. Braindead (1992)

Para los más jóvenes es probable que el nombre de Peter Jackson esté asociado principalmente a las adaptaciones de J.R.R. Tolkien, pero para aquellos que fuimos adolescentes en los años ochenta, siempre será uno de los más divertidos y prolíficos cineastas que hicieron del gore su seña de identidad. Si Bad Taste le puso en boca de todos, con su tercera película, que insólitamente contaba en su reparto con la actriz española Diana Peñalver, trascendía definitivamente al panorama internacional. Un extraño ejemplar de mono-rata es aquí el origen de la maldición que transforma a todos aquellos que muerde en muertos vivientes, pero para mayor disfrute del espectador en un festín de sangre y vísceras que no tiene desperdicio alguno. Si me apuran, casi es más una película gastronómica que otra cosa.

6. 28 Days Later (2002) | 28 Weeks Later (2007)

Que deteste a un cineasta como Danny Boyle, no impide que pudiera disfrutar con una película tan estimulante como 28 días después. En este caso el origen del virus no tenía nada que ver con la magia negra ni era un efecto secundario de la radiación, sino que era de nuevo la acción directa del ser humano sobre un virus inoculado en simios que propagaban el virus ante una irresponsable (e inverosímil) acción de un grupo de ecologistas. El éxito de la película fue tal que un lustro después el virus saltaba de la isla británica hasta el continente en una fabulosa película dirigida por Juan Carlos Fresnadillo, que era incluso mejor que su antecesora. Dos fabulosos precedentes de una miniserie como Dead Set (2008, Charlie Brooker & Yann Demange), que llevaría los zombies a la pequeña pantalla y que se convertiría, para un servidor, en una de las mejores obras sobre zombis que venía a decir que en la cultura audiovisual contemporánea, todos somos zombis.

5. [Rec] (2007)

El mismo año que Fresnadillo propagaba el virus zombi al continente europeo, Paco Plaza y Jaume Balagueró lo extendían por Barcelona. A partir de una premisa tan sencilla como una reportera que acompaña a unos bomberos en lo que parece ser una salida nocturna rutinaria, los cineastas españoles lograban un éxito sin precedentes en el cine español del que se realizarían varias secuelas y un remake estadounidense, Quarantine (2008, John Erick Dowdle), con sus respectivas secuelas. La primera secuela española es incluso mejor todavía que la primera, aunque a la tercera ya no le pillé el punto. Queda todavía por llegar la cuarta.

Algunos pensarán que los españoles se apuntaban a la moda zombi, pero el caso es que el terror ibérico se había llenado de muertos vivientes poco después de que Romero despertara a los suyos. Amando de Ossorio se encargaría de nutrir con bellas e incautas jovencitas a los zombis castizos de La noche del terror ciego (1971), que inauguraría una popular franquicia para los amantes del terror más kitsch. Aunque para excentricidades, la de Jorge Grau, que en una película nada desdeñable como No profanar el sueño de los muertos (1974), proponía que un ultrasonido utilizado por el gobierno para combatir la contaminación era la razón de que los insectos cercanos a una abadía de Manchester enloquecieran y se comieran los unos a los otros, despertando también a los muertos, ávidos de sangre y carne fresca.

4. Resident Evil (2002)

No estoy seguro si el videojuego japonés, Biohazard, fue el primero en introducir zombis en su argumento. Pero desde luego es uno de los referentes que muestran cómo el virus de Romero se extendía por otros medios, en este caso los videojuegos. Quizás no fuera del gusto de todos los seguidores del juego, más conocido como Resident Evil, pero la adaptación que Paul W.S. Anderson dirigía en 2002, con Milla Jovovich de protagonista acabaría convirtiéndose en una rentable franquicia cinematográfica, que incluso tendría una interesante variable dentro del cine de animación con la propuesta japonesa de Makoto Kamiya en Biohazard: Degeneration (2008).

3. Re-animator (1985)

Los años ochenta estuvieron plagados de cine de terror de toda índole, pero entre las propuestas más excéntricas destaca esta adaptación de un relato de H.P. Lovecraft en la que un científico experimenta para alcanzar una fórmula capaz de reanimar a los muertos. Hilarante resulta hoy en día recordar que la película se promocionara aludiendo a un individuo que había muerto de un ataque al corazón viendo la película en un cine de los Estados Unidos, lo que no impidió que tuviera un recorrido por todo el mundo, logrando además el premio a la mejor película en el festival de cine fantástico de Sitges. Dirigida por Stuart Gordon y producida por Brian Yuzna, posteriormente tendría un par de secuelas tan delirantes como Bride of Re-Animator y Return of the Living Dead III, ambas ya dirigidas por Yuzna.

2. The Evil Dead (1981)

A pocos días del estreno de Evil Dead, remake de la famosa película de culto dirigida por Sam Raimi, justo es reivindicar un título que la mayoría descubrimos en la estantería del videoclub del barrio. No sé hasta qué punto podrán apreciarla las nuevas generaciones, algunos de los que no la vieron en su momento no han podido encontrar en ella los mismos aciertos y virtudes que los que sí la vimos. Pero, en cualquier caso, Raimi se las ingenió para hacer dos secuelas y convertirse, poco a poco, en uno de los cineastas más reclamados por la industria de Hollywood. Paradigma de esas películas adolescentes en las que un grupo de jóvenes calenturientos pasan un fin de semana en una cabaña en el bosque, en Posesión infernal, ellos mismos acabarán convertidos en zombis (o algo parecido) cuando despierten unas poderosas fuerzas malignas después de encontrar el Libro de los Muertos. Una de las primeras películas en las que humor y terror congeniaban a la perfección.

1. Shaun of the Dead (2004)

Pero quizás uno de los títulos que seguro no nos importaría ver programado una y otra vez en Semana Santa, o en cualquier otra época del año, es la que fuera ópera prima de Edgar Wright. Descrita como "una comedia romántica con zombis", el cineasta británico conseguía hacer una película fresca y divertida en la que le daba la vuelta a todos los clichés del género, pero que no dejaba de lado las dobles lecturas de la sociedad contemporánea, todavía mucho más alienada hoy en día que aquella a la que hacía referencia George A. Romero.

Ethan Hawke y Lena Headey protagonizan The Purge, la segunda película dirigida por James DeMonaco que se presenta como un claustrofóbico thriller, bajo el que se esconde una fuerte y contundente crítica social y política ¿O es al revés?El márketin y la promoción funcionan a veces como un cuchillo de doble filo. Mientras unos estarán encantados en comprar una entrada para ver una película de los creadores de Paranormal Activity y Sinister —referiéndose sólo a alguno de los productores—, ese mismo reclamo servirá para mantener alejados a otros —que desconocerán que también está relacionada con remakes tan inofensivos como los de The Amityville Horror, The Texas Chainsaw Massacre, Friday the 13th o A Nightmare on Elm Street. Tanta confusión de referentes nos conduce a la desorientación, porque con esa sencilla propuesta de que 'una noche al año, todo crimen es legal', creo que resulta lo suficiente atractiva como para llamar la atención de cualquier tipo de espectador. Más todavía si esa ley, bajo la que se ampara la premisa que sostiene el argumento de la película, resulta tan sugerente como terrorífica. Siempre dependiendo del punto de vista ético y moral con el que cada uno la aborde.

No me extraña en absoluto que The Purge haya sido número uno en la taquilla de los Estados Unidos. No es que la segunda película como director de James DeMonaco tenga todos los ingredientes para seducir a los espectadores norteamericanos, es que tiene el principal: la violencia. Además se trata de una violencia limpia, depurada y totalmente exenta de sexo. Tal es así que incluso podría haber superado aquella censura de los tiempos de la caza de brujas. La alusión no es gratuita, porque, lo que en realidad propone es una feroz crítica a esas políticas de derechas que amparándose en el neoliberalismo ponen a la altura de la suela de sus zapatos los derechos de los más desfavorecidos. Para no herir sensibilidades distanciarse del presente, nos sitúa en un futuro distópico (e idílico) en el que el paro se ha reducido al uno por ciento, el crimen se ha establecido en su nivel más bajo y la violencia apenas existe… salvo por una noche en la que todo acto violento es permitido legalmente y no necesita justificación alguna (el sueño y paraíso tanto de políticos como de mafiosos).

Un planteamiento formidable que deja claros los conflictos éticos y morales a los que se enfrenta la familia modelo protagonista. De esas que dicen que prefieren no participar, pero están a favor de que se celebre tan "entrañable" carnicería, para liberación de los malos pensamientos y no soliviantar a sus propios vecinos. Tampoco es menos interesante el planteamiento formal bajo el que se plantea el desarrollo de la trama principal, tanto por lo que pretende hacer el novio de la hija, como por el acto de solidaridad con el que el hijo pone en riesgo la integridad, física y moral del núcleo familiar. Pero de nada sirven tantas buenas intenciones y un planteamiento así de contundente sin un adecuado desarrollo de la trama y la intensidad y profundidad psicológica que hubieran requerido los personajes. Si por un lado podemos intuir los vínculos evidentes que la ley de esta "renacida" nación mantiene con la famosa ley de la película de Kinju Fukasaku, Battle Royale (2000), también se pueden desenmarañar los que extiende soterradamente con una película española como Secuestrados (2010, Miguel ángel Vivas). Un extraordinario thriller emocional y sensorial que quizás no recibió el merecido reconocimiento por parte del público y que responde al planteamiento de una familia acosada en su fortificada mansión, que ya fuera bochornosamente plagiado por Joel Schumacher en Trespass. Precisamente, la película de Vivas ya recogía la influencia de Funny Games, que algunos acusan en The Purge, pero mientras el cineasta español sabía extrapolar la premisa de Michael Haneke a sus territorios argumentales y emocionales, el neoyorquino la desaprovecha en todo momento.

De nada sirve contar con actores tan solventes como Ethan Hawke y Lena Headey. Tercera colaboración del primero con el cineasta de Brooklyn, si tenemos en cuenta tanto que en 2005 protagonizaba el remake que Jean-François Richet dirigía de Assault on Precint 13, según guión de DeMonaco, como que también protagonizaba su debut en la dirección,Staten Island, cuatro años después. Para ella supone una nueva incursión en el cine antes de que la veamos en 300: Rise of an Empire y después de haber participado en Dredd y The Mortal Instruments: City of Bones, únicas colaboraciones cinematográficas que se ha permitido mientras integraba uno de los personajes más estimulantes de Game of Thrones. Si a duras penas me cuesta creer que sean verdaderamente un matrimonio, mucho menos los vínculos que se supone debieran establecer con sus hijos. Es posible que forme parte de esta crítica a una sociedad totalmente deshumanizada, pero no contribuye a dotar de credibilidad a ese conflicto al que se enfrentan.

Sin desmerecer las aportaciones de Edwin Hodge, como el único elemento verdaderamente hostil y cuya eliminación es justificable para casi todos los protagonistas de la película —anticipándose a la resolución del caso de George Zimmerman, absuelto por la muerte de Trayvon Martin—, ni la de Rhys Wakefield, capaz de hacer que se te remueva el estómago con una sonrisa; quizás sea el jovencísimo Max Burkholder —niño prodigio que arrastra una espléndida trayectoria, primordialmente televisiva, y que se me antoja una nueva versión masculina de Christina Ricci—, el único capaz de transmitir el dilema moral al que se enfrenta su familia. Mención aparte merece la breve aportación de Arija Bareikis, que consigue hacerte desear que existiera realmente esta ley para proceder a su eliminación inmediata.

También es cierto que la película contiene momentos espeluznantes, como la simple imagen de jóvenes estadounidenses parapetándose detrás de máscaras sonrientes para cometer crímenes irracionales, o el uso de algunas piezas musicales en determinados momentos, que terminan de confirmar el tono crítico hacia la sociedad que retrata. Momentos que acaban siendo superficialmente efímeros, no consiguiendo en ningún momento mantener esa sensación de morbo enfermizo, que, además, acaba traicionada por unas soluciones dramáticas cada vez más previsibles a medida que avanza la trama. De esta manera, lo que comienza siendo una propuesta sugerente y estimulante, acaba perdiéndose por los mismos pasillos por los que se cruzan una y otra vez unos personajes que nos hacen pensar que, en lugar de una mansión en Los Angeles, estuviéramos en un ala renovada del hotel Overlook —hay quien decía que el propio hotel de The Shining se planteaba como una metáfora de la cultura estadounidense.

Ciertamente, me quedo con el estimulante tratamiento visual de la película —extraordinario para un primerizo como Jacques Jouffret en su primera película como director de fotografía, después de pasar por una larga lista de películas de acción y terror en las que formaba parte del departamento de cámara— y esos conflictos éticos y morales que plantea su trama, así como con la crítica a las políticas defendidas por aquellos sectores más conservadores de la sociedad que, irónicamente, se amparan, la mayoría de las veces, en la religión, cuando en el fondo son los que más se parecen a esos que tanto disfrutan con esta purga.6James DeMonaco nos propone un cine de evasión con implicaciones morales. Una propuesta intelectual sobre el uso de la violencia que acaba traicionada por los clichés del cine de género a través del que se articula y al que se acoge para sostener su trama y presentarla de una manera más convencional y digerible para le público masivo. El error no es el estereotipo, sino la pretensión de llegar al mayor número de público posible, perdiendo autenticidad por el camino. Si su objetivo era que el público se divirtiera a la vez que se planteaba las mismas preguntas que sus personajes, intuyo que ha fracasado, pero si lo único que pretendía era generar un producto vendible y ampliable, sin duda ha acertado de lleno porque el éxito en taquilla de la película le ha puesto en bandeja una primera secuela, aunque no estará dirigida por él, lo que me indica que la ruta a explorar va más por la vía superficial del terror y la acción, que por entender los profundos lazos que la cultura estadounidense ha mantenido a lo largo de su historia con la violencia.

Halloween es una fiesta asociada a la noche y el culto a los muertos. Para celebrar esta fecha hemos recopilado 7 GIFS terroríficos, los cuales pueden servirte de inspiración para posibles disfraces o para elegir una película para ver el fin de semana.

Nos acercamos a la noche de Halloween, también conocida como Víspera de Todos los Santos, Noche de Brujas o Noche de Difuntos, una fecha que siempre se ha asociado a la oscuridad y al mundo de los muertos. Para "celebrarlo" hemos recopilado 7 GIFS terroríficos y celebrar esta fiesta como se merece: con imágenes en movimiento.

La fiesta de Halloween es de origen celta y se celebra la noche del 31 de octubre, sobre todo en países anglosajones (Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Irlanda), aunque, en menor medida, también se festeja en España y Latinoamérica. La palabra viene de una variación escocesa de "All Hallows' Even" (víspera de todos los santos).

Hola, soy Jack Torrance

Si Jack Nicholson llama a tu puerta, mientras estáis en un hotel abandonado en las montañas, deberías pensártelo varias veces antes de abrir. De todos modos, ya te anticipo, que en caso de no hacerlo ya buscará una manera de acabar entrando.

Elegir el motel equivocado

Asegúrate de buscar bien reseñas en Internet antes de decidirte a reservar una habitación en un motel, puede acabar convirtiéndose en unas vacaciones espantosas. Es lo que le ocurrió a Lila Crane, aunque viendo la parte positiva, siempre te puedes encontrar con la mejor interpretación de Anthony Perkins.

Gente mal rasurada

Michael J. Fox es incompatible con inspirar miedo. Sus personajes son entrañables y ya forman parte de la infancia de muchos espectadores. En Teen Wolf interpreta a un joven que se convierte en lobo, personaje que os puede servir para hacer un disfraz rápido para la fiesta de Halloween.

Zombies que piden autógrafos

Los zombies son un clásico de la iconografía de terror. Mitad vivos y mitad muertos, son capaces de llenar películas y videojuegos de alaridos sin sentido. La parte más negativa de ser zombie tiene que ser la cantidad de calzado que se gasta, al caminar arrastrando los pies todo el día.

Nosferatu

Los prejuicios mezclados con la apariencia física de otras personas, son un recurso muy utilizado en el cine de terror. Las chicas con escote o los chicos fornidos no suelen despertar mucho pavor entre el público. Es lo que le ocurre a Nosferatu. Aunque quizás se deba a que es un vampiro, profesión que no está muy bien vista en la sociedad actual.

Pánico a las películas malas

Scream es un clásico de terror juvenil. Para muchos, puede ser una película de dudosa calidad cinematográfica, pero lo cierto es que ya forma parte de la lista de películas míticas de terror. De hecho, ha servido de inspiración de Scary Movie, en la cual se mezcla risa y gritos a partes iguales.

Murciélagos

Al parecer, uno de los animales que más miedo despiertan. Seguramente se deba a su aspecto y a que son animales nocturnos. Si les tienes pavor, puedes hacer como Bruce Wayne y acabar aceptándolos: ¿por qué murciélagos?, porque me asustan. Quiero que mis enemigos compartan mi miedo. Soy Batman.

Muchos dicen de manera despectiva que el cine español de miedo. Pero lo cierto es que sí, puede llegar a dar mucho miedo. Prueba de ello son estas cuatro peliculas de terror españolas.

La semana pasada ya me aventuré a escribir sobre el éxito de 8 apellidos vascos y cómo sirve de ejemplo perfecto para contraatacar la idea de que la piratería es la culpable de todos los males de esta industria. Pero ni es cierto que casi todas las películas españolas son malas ni tampoco es justo despreciar de manera sistematizada una película sólo por el hecho de que sean títulos españoles. Siempre lo he dicho y en este post quiero reafirmarme: cine español hay muy bueno y uno de los mejores ejemplos lo encontramos en el género de terror, el cual ha dado títulos muy buenos. Si no me crees, pégale un vistazo a estas cuatro películas de terror españolas que nada tienen que envidiar a éxitos taquilleros norteamericanos. Vamos con ellas.

Darkness (Jaume Balagueró)

Hablar de Jaume Balagueró es hablar de cine de terror, y del bueno. Si bien una de sus películas más famosas es quizás una de las más flojas de su filmografía -hablo de "REC"- y tiene algunas manchas imborrables en su curriculum -como haber dirigido la película de Operación Triunfo-, también ha dejado auténticas perlas audiovisuales, como "Frágiles", "Los Sin Nombre" o mi favorita: Darkness.

El planteamiento de "Darkness" es bastante clásico: familia que se muda (de Estados Unidos a España en este caso), una madre enfermera, una hija rebelde y un niño pequeño que pinta dibujos en un cuarderno, todo esto ambientado en una casa en medio del campo. A partir de aquí una serie de eventos extraños se irán sucediendo para marcar el devenir del film. Nada nuevo ni revolucionario, pero señores, el ambiente que sabe crear Jaume Balagueró en esta película pone los pelos de punta. Sin duda alguna, una de las mejores películas de terror con sello español.

Los otros (Alejandro Amenábar)

Si bien Alejandro Amenábar es un director muy versátil, capaz de realizar películas tan dispares como "Mar Adentro" y "Ágora" casi seguidas, el cine de terror siempre ha sido uno de sus puntos fuertes. Así lo demostró en 1996 con la maravillosa "Tésis", lo reafirmo en 1997 con "Abre Los Ojos" y acabó por consolidarse en este género -y ganándose al público mayoritario- en 2001 con "Los Otros".

De "Los Otros" poco se puede decir que no se haya dicho ya: de nuevo, una historia bastante tradicional y un manejo de ésta magistral. Tanto la ambientación, como el control de la tensión durante todo el film y la sorpresa final, la colocan como uno de los mayores éxitos dentro del género de terror en España. Muy recomendable.

Buried (Rodrigo Cortés)

Si el planteamiento de las dos películas anteriores es bastante tradicional, el valor de Buried es precisamente el de una idea innovadora y original. Levantó mucha expectación en Sundance 2010 y consiguió hacerse con 3 Goya el mismo año. ¿Por qué? Porque no todo el mundo es capaz de rodar una película que versa sobre la angustia del protagonista para intentar salir de un ataúd enterrado sin aburrir hasta al acomodador y esta película no sólo lo consiguió, sino que supo transmitir la claustrofobia a la perfección.

¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez)

Pero si crees que todas las buenas películas de terror españolas se han rodado en lso últimos 20 años, estás más que equivocado. Un buen ejemplo de ello es "¿Quién puede matar a un niño?" de Narciso Ibáñez, del año 1976. La película cuenta la historia de un matrimonio inglés que llega a un pueblo costero español y pronto acaban en una isla habitada por niños, los cuales son más que hostiles con los adultos. El trailer ya te alerta sobre el hecho de que estás ante una gran película, el film entero no sólo no decepciona, sino que de hecho mejora lo contado. Ríete tú de los niños del maíz.

Os presentamos una galería en la que se muestra cómo nacieron algunos de los monstruos más famosos de la historia del cine. Un viaje que se inicia detrás de las cámaras y que termina en las pesadillas de miles de espectadores.

La mayoría de las películas de terror no serían nada sin los efectos especiales y el trabajo de cientos de especialistas que se encargan de introducirnos en un mundo ficticio en el que jugar con los miedos de los espectadores. Hoy os presentamos una galería en la que se muestra cómo nacieron alguno de los "monstruos" más famosos de la historia del cine.

Gracias a una galería de Reddit os presentamos esta recopilación, en la que podemos encontrarnos imágenes detrás de las cámaras de películas como The Fly, Hellboy 2, The Ring, Robocop o Nightmare on Elm Street 3: The Dream Warriors. Mención especial a Alien, criatura que ayer cumplía 35 años y que hace unos días perdía a su creador, H.R. Giger.

Muchas de estas creaciones monstruosas se han quedo grabada en la mente de los espectadores durante años y años. Personalmente, de pequeño me impactó la escena de Robocop (en la parte superior) en la que uno de los malos de la banda es rociado con ácido para después ser atropellado y saltar en pedazos. Os dejamos un listado con las películas que puedes ver en la galería inferior, en la que se puede ver cómo cobran vida estos míticos monstruos:

• The Terminator
• Beetlejuice
• The Thing
• Star Wars: The Empire Strikes Back
• Total Recall
• The Army of Darkness
• Child's Play
• Robocop
• Nightmare on Elm Street 3: The Dream Warriors
• Alien
• Hellboy 2
• The Ring
• The Fly
  
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Universal Picture trabaja en una serie de reboots de las películas clásicas de terror como The Mummy, Frankenstein, entre otras.

Sí, es tiempo de prepararnos para una nueva oleada de monstruos que están por invadir la pantalla grande. Los clásicos, conocidos monstruos de las películas de terror con las que crecimos y a los que volvemos cada vez que se puede. Estoy hablando de Frankenstein, Dracula, The Wolf Man, Creature Of The Black Lagoon, The Invisible Man, Bride Of Frankenstein y The Mummy.

Parece como si Universal Pictures se dio cuenta de la mina de oro en la que está sentado, ya que tiene los derechos de estos monstruos clásicos. Claro que ha utilizado estos personajes para nuevas cintas como Dracula Untold que está por estrenarse, la gran noticia aquí es que el estudio planea realizar un universo con estos personajes clásicos. Universal Pictures cuenta con franquicias muy rentables como The Fast And The Furious, Despicable Me y Jurassic Park y sumar este universo de terror me parece una muy buena movida.

The Mummy encabeza la lista de los reboots que hará Universal

El día de hoy confirmaron Alex Kurtzman y Chris Morgan el proyecto de Universal de hacer reboots de los clásicos del terror. Estos escritores serán los encargados de las historias, aunque no se ha revelado el equipo completo que llevará a cabo esta serie de películas. Kurtzman fue escritor de The Fast and the Furious, por su parte Morgan participó en Transformers y muchas series de televisión, entre ellas la grandiosa serie Fringe.

La idea de esta franquicia de monstruos se está materializando y aunque tendremos que esperar, ya que la primera película en esta lista es The Mummy para abril del 2016, el futuro suena esperanzador y lleno de terror con estos reboots. Al menos eso es lo que espero, no quisiera ver ni de broma otra versión de The Mummy con Brendan Fraser. Es la primera vez que Universal Pictures estaría trabajando estas películas como un proyecto conjunto y no como películas aisladas. Como dije, esta parece una muy buena idea, esperemos que así sea por bien del cine, de los queridos monstruos y del terror.

Después de abrir el Festival de Cine Fantástico de Sitges, llega ahora a las pantallas la cuarta parte de esta historia, REC 4: Apocalipsis, de la que comimos su primera ración hace ya siete años. Esta secuela se encarga de recordarnos cómo se ha llegado hasta tal punto, justificando (por ahora) esta última entrega. REC 4: Apocalipsis recoge en frasquitos aromas de sus precedentes y de películas vecinas en género. Volvemos a ver la acción de cámara en mano, un sello ya ligado a la correría de REC, pero, esta vez, Balagueró cambia el escenario de la acción zombie donde nadie pisa tierra firme.

Hasta ahora habíamos visto la infección en un edificio muy particular, con una estética bastante reconocible de inmueble viejo convencional, provocando que varios de los que fuimos espectadores de la película nos hayamos acordado de ella entrando en casas de fincas anticuadas.

También nos emplazaron, en REC3, en una iglesia y sus alrededores con motivo de una sangrienta boda. Esta vez nos movemos en barco, donde se exploran nuevas opciones de supervivencia y se reducen tantas otras.

A pesar de que la película transcurre en una localización nueva, esta arranca en el edificio que ya conocíamos, completando la etapa anterior y resolviendo la intriga desde donde nos habían dejado.

Allí permanecía todavía la periodista Ángela Vidal, que esperando ser rescatada y evacuada de ese infecto lugar, termina en otro plan a posteriori que no conlleva especialmente una mejoría. Veremos caras nuevas en el elenco protagonista, y recuperan, como acabo de contar, la de Manuela Velasco, que supone ya el referente principal de la saga, así como el inquietante personaje que interpreta Javier Botet como la Niña Medeiros, que conocimos en el desván de [•REC].

En esta ocasión, en la película nos recordarán retazos de las anteriores para que no tengamos pérdida de la trama general. Los suficientes flash-back como para no necesitar haber visto las previas, que, sin ánimo de crítica negativa, tampoco es que se trate de una malla de argumentos demasiado compleja.

Quien va al cine a ver esta película sabe que se va a encontrar con infectados de un maléfico virus, no creo que haya duda. Las cuestiones sobre ello se van destapando a medida que avanzan las secuelas, de donde se pueden ir sacando más conclusiones. En la última parte de la tetralogía se saciarán algunas de las cuestiones creadas por el espectador, aunque no todas, y esto puede decepcionar.

Ángela es la única superviviente de la masacre a la que se enfrentaron tanto ella como el equipo de bomberos tiempo atrás. Una vez fuera, la reportera es llevada a una embarcación donde al parecer se lleva a cabo una cuarentena de infectados por precaución, y también se ven reclutados un equipo de investigación dentro de un improvisado laboratorio, para poder llevar un estudio sobre el virus. Paco Manzanedo en el papel de Guzmán, junto a parte del equipo, ayudarán a la reportera durante su estancia en este lugar hostil. Pronto se desencadenará otra cepa a la que todos intentarán sobrevivir.

Una marca personal de la historia de [•REC] fue hasta el momento la inmersión en la historia a través de una cámara en mano (como he mencionado antes): técnica manoseada especialmente en este género por la cercanía que causa al espectador, viendo los hechos desde el punto subjetivo de quien está "ahí dentro", grabando. Pero, en esta ocasión, se alejan de ello intercalando vistas de un uso más convencional de planos, con tomas de imágenes recuperadas de la cámara de Ángela ("Pablo, grábalo todo, por tu puta madre"), y haciendo la función de mirada más objetiva, tenemos los planos de las cámaras de seguridad. Del cóctel resulta el montaje final.

También se han alejado del uso de la música diegética, que se desvincula de lo servido en la primera ocasión y que llamaba particularmente la atención: no había banda sonora. En el primer film no se empleó banda sonora y ello hacía que, a nivel de experiencia, todo pareciese más real. En esta ocasión, Arnau Bataller ha sido el compositor encargado de ambientar las secuencias, con trémolos y metales pesados sumando tensión a la situación, volcando el peso en la balanza vecina y predominando de esa forma las músicas incidentales.

Dramatizaciones demasiado exageradas: hay abundantes sobreactuaciones

Otro detalle, hablando de comparaciones, es el evidente uso de gags hasta ahora no explotados con tanta frecuencia. Fue en su momento parte de las novedades de la tercera entrega, donde el humor empezaba a coger protagonismo pudiendo quitar tirantez al nerviosismo, y que, en esta ocasión, lo vuelve a hacer incluso con más asiduidad que en su predecesora. Y, en el lado opuesto, las dramatizaciones demasiado exageradas: en abundantes ocasiones dejan ver sobreactuaciones que no consiguen el propósito de crear angustia, sino más bien todo lo contrario.

De cualquier forma, nada mejor que echarle un vistazo al tráiler para que cada uno se genere sus propias expectativas sobre el film y sobre algunas de las imágenes que se encontrará en él:

6Como conclusión podríamos decir que el fin de esta odisea (a no ser que haya sorpresas) ha sido bienintencionado en planteamiento, con lógica en la continuación de la trama y resoluciones esperadas; pero también con ecos a preguntas que se habían creado a lo largo de la historia.

Se queda a medio camino de causar impresión, a medio camino de generar miedo, y a medio camino de sobresaltos. Partes de gore y humor se suman a las de supervivencia, y de esta última sacaría la etiqueta para definir el género de REC 4.

No es de extrañar que los seguidores de REC se puedan quedar desencantados y hayan esperado un plato más fuerte. Al fin y al cabo, con el pelotazo que causó la primera, esta última parte cae en la terrible trampa de hacer que, con la historia dividida, termine compitiendo contra sí misma y la nostalgia que ha creado.- Secuela con buena recapitulación, pudiendo verse de forma independiente - Resolución de puntos que habían quedado sin responder - Volvemos a ver a la protagonista, de la que habíamos dejado de saber - En ocasiones, bastante sobreactuación - No sacia al espectador que esté buscando la esencia del género - Floja como para cerrar la historia que comenzó hace ya siete años

Los chicos de The Broterhood llevan el survival horror al minoritario género de las aventuras gráficas con STASIS

Pese a lo que pueda parecer por lo visto de un tiempo a esta parte, el terror o el survival horror no es un género que deba funcionar en exclusividad en juegos en primera persona. Ahí tenemos recientes excepciones como Evil Within y su regusto clásico o el éxito viral de Five Nights at Freddy’s.

Pero, ojo, el terror también puede llegar en forma de aventura gráfica desde un punto de vista isómetrico en 2D. Ese es la idea tras STASIS, un prometedor juego de miedo sci-fi financiado hace casi dos años en Kickstarter (consiguió algo más de 130.000 dólares). La aventura nos pondrá en la piel de John Maracheck, un tripulante de una nave abandonada que, en un futuro distante, despertará con el objetivo de desentrañar los múltiples misterios que le rodean. Una historia de intriga que, como cualquier proyecto del género, lo apostará todo a niveles de guión y ambientación. Que cuente con el apoyo de Daedalic Entertainment, reyes actuales en esto de las aventuras gráficas, no hace más que presagiar un buen resultado.

Y si hablábamos de ambientación y su envoltorio, además del exquisito nivel de detalle que presenta el juego, hay que hablar del trabajo de Mark Morgan en lo musical. Hablamos de un titán de la industria que ha trabajado en proyectos tan míticos como Planescape Torment, Fallout 1, Fallout 2 o, más recientemente, Wasteland 2 y Torment: Tides of Numenera. Casi nada.

Si os llama la atención lo que STASIS tiene que ofrecer, os alegrará saber que, al fin, el proyecto cuenta con una fecha de lanzamiento definitiva: tal y como se puede ver en su tráiler de lanzamiento, será el 31 de agosto cuando se le podrá echar el guante en PC (Steam y GOG). Hasta entonces, podéis probar su alpha aquí o, si queréis investigar otros proyectos semejantes, aventuraros en Sanitarium, un thriller psicológico lanzado en 1998 cuyo planteamiento jugable parece haber inspirado el trabajo de los chicos de The Brotherhood.

Si siempre os habéis preguntado si se puede hacer un análisis de verdadera profundidad del género de terror, aquí tenéis algunas de las reflexiones que Stephen King ha publicado sobre él.

Si hay un género narrativo sobre el que pesan un montón de ideas preconcebidas, esto es, prejuicios, ese es el terror. Muchas personas piensan que tanto la literatura como el cine terroríficos no son arte o, en el mejor de los casos, lo es pero de segunda, y que de ahí no puede salir nada bueno y ni tan siquiera respetable; que los autores de este género sólo se marcan la meta de atemorizar a los lectores y dar sustos de campeonato al público de sus películas, algo pueril o trivial en resumidas cuentas. E incluso hay quienes que culpan a narraciones usualmente violentas como las de terror de generar crímenes en el mundo real, de dar malas ideas, como si las motivaciones de los violentos no existiesen desde siempre fuera de la ficción y esta no fuese más que su reflejo.Stephen King: "Hemos adoptado el acuerdo tácito de llamar «artes» a nuestras obsesiones profesionales"

Claro que hay mucha basura, pero otro tanto ocurre con el resto de géneros narrativos; y la verdad es que nada impide a un escritor lucirse jugando con el lenguaje en una novela de terror, ni a un cineasta elaborar un filme de miedo visualmente esplendoroso ni a ambos idear tramas asombrosas, construir perfiles psicológicos complejos y dramas que nos lleguen muy hondo. Y, si hay alguien hoy en día que conozca a la perfección los mecanismos del género, ese es Stephen King, que además ha escrito mucho acerca de los prejuicios generalizados con el terror y las razones de que llevan a mucha gente a abrazarlos como ciertos.

Los autores de terror, esos bichos raros

La profundidad de pensamiento en el periodismo es un bien escaso, y es muy habitual que los trabajadores del arte de renombre se enfrenten a trilladas preguntas de la prensa sobre los motivos por los que se dedican a lo suyo. En el prefacio a su libro de relatos El umbral de la noche (Night Shift, 1978), King dice que, “por acuerdo tácito, en la sociedad civilizada llamamos «hobbies» a nuestras obsesiones”, y que, “como «hobby» es una palabra muy manida y vulgar, también hemos adoptado el acuerdo tácito de llamar «artes» a nuestras obsesiones profesionales”. Y elabora una metáfora de la mente como un filtro en el que se atascan unas obsesiones u otras dependiendo de cómo sea el de cada individuo. En el suyo, por supuesto, se atasca “lo macabro”, y ese sedimento es el que le impulsa a escribir sus obras.

Stephen King - Dishmag.com

Lo que ocurre es que, por lo visto, los autores de terror se ven más impelidos que el resto por la prensa y otras personas a justificarse como tales, a explicar por qué se han entregado a este género. Según King, que reconoce haber tenido que responder a esta cuestión infinidad de veces a lo largo de su carrera, “es porque todos tenemos un postulado enterrado en nuestras mentes: que sentir interés por el horror es malsano y aberrante”, y en el atractivo ensayo sobre el género del que procede este fragmento y al que tituló Danza macabra (Danse Macabre, 1981), bastante divertido además, cuenta que hay no poca gente convencida de que alguien como él debe de haber sufrido algún tipo de trauma infantil para interesarse por el horror.Stephen King: "Los escritores se hacen, no nacen ni se crean a partir de sueños o traumas de la infancia"

Su respuesta es que “estos juicios psicológicos a matacaballo son poco más que astrología presuntuosa”, y “que los escritores se hacen, no nacen ni se crean a partir de sueños o traumas de la infancia, que convertirse en escritor (o pintor, actor, director, bailarín, etc.) es el resultado directo de una decisión consciente”, al margen del talento desarrollado con “un montón de estudio y trabajo duro”.

Y seguidamente relata varios momentos o circunstancias que él considera importantes para su posterior interés en la escritura de narraciones de terror, como cuando encontró, en el desván de la casa de una tía suya en Dirham, Maine, una caja llenas de viejas novelas de bolsillo de fantasía y horror que pertenecieron al padre que les había abandonado; o cuando vio La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, Jack Arnold, 1954) en un autocine y se sintió vivamente impresionado; o cuando escuchaba con su ininteligible abuelo materno un serial radiofónico de horror como Suspense en la CBS Radio Network: educación cultural, nada de traumas.

La esencia del género de terror y sus arquetipos

'Danza macabra' - Valdemar

Sin embargo, un asunto es por qué autores como King deciden consagrarse a escribir novelas terroríficas, y otro, por qué cuenta con un público que las lee con fruición, que se deja llevar por esa “búsqueda rítmica y sinuosa” de “los puntos de presión fóbica” que es la danza macabra. Porque dice King que “el buen cuento de horror avanza Stephen King: "Inventamos horrores ficticios para ayudarnos a soportar los reales"bailando hasta alcanzar el centro de su vida y encontrará la puerta secreta a esa estancia cuya existencia creía usted que nadie más conocía”, nos devuelve a nuestra infancia, en la que “nuestra propia sombra puede volver a convertirse en la de un perro agresivo, una boca abierta o una ominosa silueta”, siendo capaz de “explotar los temores personales” y los “compartidos por un amplio espectro de población”: la popularidad cíclica de las películas y las novelas de horror parece “coincidir con periodos de tensiones económicas y políticas”, y si en el cine se nos representan los sueños de la cultura de masas, las películas de horror son sus pesadillas.

En cuanto a la misma invención de “cosas terribles” a que se acostumbra en el género, sugiere que “inventamos horrores ficticios para ayudarnos a soportar los reales”, y uno de ellos sobre todos los demás, aquel que sucede “cuando te pilla el monstruo” en las películas de terror: como dice en el prefacio de El umbral de la noche, “todo temor tiende a la comprensión del desenlace final”, es decir, de nuestra propia extinción como individuos; porque “la danza macabra es un vals con la muerte. Es una verdad de la que no podemos permitirnos apartar la vista”.

Pero además nos sirve de desfogue particular y colectivo según él, porque “gran parte de la atracción de las historias de horror es que nos permiten ejercitar por poderes esas emociones y sensaciones antisociales que la Stephen King: "El escritor de ficción de horror no es ni más ni menos que un agente del statu quo"sociedad exige que mantengamos a raya en la mayor parte de las ocasiones, no sólo por el bien de la sociedad sino también por el nuestro”. Así, se muestra de acuerdo con un crítico de cina al que no nombra en cuanto a que “el cine de horror se ha convertido en la versión moderna de los linchamientos públicos”: cumple nada menos que una función social, señoras y caballeros. Porque, dice, si les lanzamos “una cesta llena de carne cruda a los cocodrilos” que nadan bajo la trampilla de nuestro cerebro civilizado y están entretenidos con ella, no salen al exterior a liarla parda.

Muerte - RT.com

King nos asegura, por otro lado, que todos y cada uno de los cuentos de terror pueden dividirse en dos categorías: “aquellos en los que el horror es consecuencia de un acto de propia y libre voluntad (una decisión consciente de cometer el mal) y aquellos en los que el horror está predestinado y llega desde el exterior como un relámpago”. En una enorme cantidad de ocasiones, con cuatro arquetipos generales a los que nos enfrentarse: el hombre lobo, esa parte peligrosa de nosotros mismos que amenaza con tomar el control, cuyo primer exponente fue El extraño caso del doctor Jeckyll y Mr. Hyde (The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde, Robert Louis Stevenson, 1886); el vampiro, el peligro externo que nos consume transforma, el mito de Drácula (Bram Stoker, 1897); la cosa sin nombre de Frankenstein o el moderno Prometeo (Frankenstein or The Modern Prometheus, Mary Shelley, 1818), el peligro exterior desconocido y desconcertante; y el fantasma, que no es otra cosa que el ser humano, nosotros mismos, libre de toda restricción y traba corporal, algo temible.Stephen King: "La ficción de horror es la celebración de aquellos que sienten que pueden examinar la muerte porque todavía no se ha instalado en sus corazones"

Usando la propia terminología de King, estos seres se infiltran en un entorno apolíneo como nuestra cotidianidad y la trastocan con su ánimo dionisíaco; y lo que más chocará a los conservadores que desprecian la ficción de horror es lo que asegura King sobre su esencia moral: “… cuando hablamos de la monstruosidad, estamos expresando nuestra fe y creencia en la norma y guardándonos del mutante. El escritor de ficción de horror no es ni más ni menos que un agente del statu quo”. Su propósito no es solamente adentrarse en territorio que consideramos tabú, sino también “confirmar nuestras buenas sensaciones acerca del statu quo mostrándonos visiones extravagantes de cuál podría ser la alternativa”.

Una confesión dura. ¿Quién nos lo iba a decir? Y a pesar de todo, esta ficción ama la vida, declara Stephen King; su intención no es comerciar con el odio y la violencia ni el morbo y el asco, sino que “es la celebración de aquellos que sienten que pueden examinar la muerte porque todavía no se ha instalado en sus corazones”. Desterremos los prejuicios, pues, y bailemos todos esta catártica danza macabra.

No hay temporada del año en la que falte alguna película de horror en el cine. Franquicias y franquicias siguen estrenando títulos en la pantalla grande y, salvo algunas excepciones, la calidad de ellas no es de admirar (y posiblemente este sea el motivo), sin embargo, este género sigue en la cartelera a pesar de la falta de premios importantes a los títulos o directores, o de la trascendencia de los filmes, incluso de las pobres calificaciones del público.

No será un misterio el por qué cada tanto se estrena una película de horror en el cine si observamos la siguiente tabla que muestra las cintas más rentable desde 2010. Cabe mencionar que la ganancia se calcula de la diferencia obtenida del Box Office y costo de producirla.

Podemos ver que una de las películas con mayores recaudación en Box Office es "The King's Speech" (2010, Tom Hooper), que tuvo un presupuesto de 15 millones, sin embargo, es "The Devil Inside" (2002, William Brent Bell) la que resultó proporcionalmente más lucrativa que ninguna de la lista, pues si bien tuvo un presupuesto de 1 millón, recaudó casi 102 mil millones, es decir, una ganancia de cerca del 5000%. En el segundo lugar de las películas más lucrativas con respecto a su presupuesto y lo recabado está "Insidious", de la que tuvimos ya una segunda parte y una tercera en 2015, ambas muy lejanas de las jugosas ganancias que tuvo la primera entrega, la cual obtuvo ganancias de hasta más del 3000% con respecto a su presupuesto.

La respuesta entonces al por qué hay películas de horror cada tanto es el simple sonido de la caja registradora que, constante y sonante, no falla en el prolífico, y ahora comprendemos bien: lucrativo, negocio de las películas de horror.

Si lo analizamos como público, las películas de horror buscan impactar, asustar así sea con su método jump scare (o por esto mismo), permite divertirse a nivel experiencia y poco importa lo demás. Así pues, seguro habrá películas de horror durante mucho tiempo.

Con The Forest, primer largometraje del californiano Jason Zada después de tres cortos, nos llega la última entrega de terror estadounidense que mira en cierta forma al imaginario japonés y, además, se ambienta en el país del sol naciente.La exitosa hornada de películas de terror japonesas que se exportó al resto del mundo durante unos años desde finales de los noventa, que provocó que otros países de Oriente se aventuraran en el género e incluso que la regurgitadora industria hollywoodiense apostara por realizar varios remakes de las más significativas con mayor o menor fortuna, se agotó hace tiempo. Pero no antes de que nos llegaran la potentísima The Ring (Gore Verbinski, 2002), con su digna secuela (Hideo Nakata, 2005), o las malogradas The Grudge (Takashi Shimizu, 2004) y Dark Water (Walter Salles, 2005), por ejemplo.

A este género se le llama j-horror o kaidan eiga, y se caracteriza por ofrecer historias de fantasmas con una buena dosis de terror psicológico y una particular estética de lo horripilante, que se aleja de los excesos sanguinolentos y se decide por limpias imágenes perturbadoras, en ocasiones de una espeluznante belleza. Y algo de esto hay en The Forest, más adecuadamente traducida como El bosque de los suicidios, en la que una joven estadounidense (Natalie Dormer) viaja a Japón en busca de su hermana gemela y se adentra para encontrarla en el siniestro bosque Aokigahara, que se encuentra a los pies del famoso e imponente Monte Fuji.

La premisa es francamente sugerente, y uno puede dejar volar su imaginación ante las grandes posibilidades que esta puede tener para realizar una película de terror con tintes orientales. De hecho, que el Aokigahara sea un bosque al que popularmente se considera maldito, lleno de espíritus y demonios y al que muchísimas personas han acudido y acuden para suicidarse es cierto, es algo real.Así que Zada y sus tres guionistas, entre los que destaca Nick Antosca, que proviene de la exquisita y perturbadora serie de televisión Hannibal (Bryan Fuller, 2013-2015), han tenido muy buen ojo en la elección del que pudiera haber sido el gran protagonista después de Dormer, el espacio inquietante del bosque al estilo del Hotel Overlook en un hito como The Shining (Stephen King y Stanley Kubrick, 1977 y 1980) y su hijo no muy aventajado, el Hotel Cortez en la enderezada American Horror Story: Hotel (Ryan Murphy y Brad Falchuk, 2015-2016).

El equipo artístico le aporta los elementos constitutivos del j-horror, y uno los reconoce con suma facilidad, incluyendo algunos detalles estéticos breves, de observación y detenimiento en los que Zada utiliza la propia naturaleza física del bosque para provocar sensaciones desasosegantes. Pero a dichos elementos se los trata de manera superficial, no con la mirada pobre de la supuesta profundidad oriental de la que pecamos los occidentales que algunos han querido ver, sino sin inventiva sencillamente, como si en verdad la historia pudiese haber sido ambientada en cualquier otro bosque tétrico del mundo.

Y en esa superficialidad se queda durante todo el metraje, armando una corta sucesión de andanzas fantasmagóricas que se admite y se atiende sin demasiados problemas pero que, por desgracia, no levanta un solo vello del cuerpo en ningún instante; no causa horror alguno. Pese a los esfuerzos de Dormer, a la que muchos conocemos por su papel de Margaery Tyrell en Game of Thrones (David Benioff y DB Weiss, de 2011 a la actualidad), ya no se trata de sólo la falta de energía de la batuta en manos de Zada, sino que el resultado es una clarísima muestra del agotamiento de la propia fórmula del kaidan eiga.

Esto llega hasta el punto de que, en las escenas más trágicas, el espectador ni siquiera cambia el gesto porque ni le alteran ni le conmueven lo más mínimo. Y aunque se agradece que la pretensión de Zada no sea atiborrar su película de sustos baratos, como han sugerido algunos sin razón, sí debería aprender de los ejemplos más reputados del cine en temática fantasmal para empujarle a uno a que se muerda las uñas viendo un filme de esta clase, en vez de la mueca de desagrado que uno es incapaz de reprimir justo tras la última y burdísima imagen que aparece en pantalla antes de los créditos.6.5Así pues, si uno se sienta a ver la epidérmica The Forest, que lo haga abandonando toda esperanza, no ya de que le aterrorice algo como es de suponer, sino incluso que le mueva a experimentar algún tipo de emociones en su favor, en vez de la simple sensación de que sirve para pasar el rato y no mucho más.- La sugerente premisa. - Los detalles estéticos de observación desasosegante. - El esfuerzo de Natalie Dormer.- La superficialidad del j-horror. - La falta de inventiva y de energía. - La incapacidad para atrapar al espectador. - La burda imagen final.

A propósito del día de resurrección, te proponemos una lista con las mejores películas de zombies, para que puedas culminar la Semana Santa con una programación alternativa a la infame parrilla de televisión.

Recuerdo cuando las parrillas de los canales de televisión se llenaban de películas de romanos y superproducciones relacionadas con la muerte de Cristo siempre que llegaba la Semana Santa. Eran los tiempos de peliculones como Quo Vadis (1951, Mervyn LeRoy), The Robe (1953, Henry Koster), The Ten Commandments (1956, Cecil B. DeMille), Ben-Hur (1959), Barraba (1961, Richard Fleischer), The Fall of the Roman Empire o incluso The Greater Story Ever Told (1965, George Stevens), que se repetían una y otra vez cada año, para delicia de cinéfilos que podían disfrutar, a su manera, esta festividad religiosa, fueran o no practicantes. Sin embargo, los hábitos de las nuevas generaciones, que rechazan este tipo de películas, denostándolas por viejas y antiguas, han abierto el camino a producciones televisivas sobre los mismos temas, pero de infame calidad artística.

Si el año pasado proponía, desde Extracine, una selección de filmes vinculados en mayor o menor medida, no tanto con la vida de Cristo, pero sí con el cine de romanos que caracterizaba estas fiestas, propongo en esta ocasión ir un poco más lejos y, siempre apelando a la ironía y el sentido del humor, hacer una selección de las diez mejores películas de zombies, dado que, al fin y al cabo, lo que recuerda la Semana Santa es la muerte y resurrección de Cristo. Una excusa excelente para hacer una retrospectiva por las películas más interesantes que ha dado un subgénero del cine de terror que siempre se ha preocupado de los muertos que "resucitan", y que tan de moda está últimamente. Es posible que no encuentres tu favorita, pero esta lista es total y completamente subjetiva, por lo que sólo tienes que añadir tu favorita o aquella que eches en falta en los comentarios. Porque una cosa es matar zombies, y otra muy diferente es hacer propaganda del derecho al uso a las armas con esa misma escusa.

10. Dawn of the Dead (1978)

La primera parada no podía ser en otro sitio que no fuera una película de George A. Romero. Puede que el cineasta neoyorquino no haya sido el primero en mostrar zombis en la gran pantalla, pero a través de una película como Night of the living deads (1968), se deshacía de los mitos de la magia negra y el culto vudú que los relacionaba con Haití, para que los muertos pudieran resucitar en cualquier parte del mundo y a partir de cualquier causa. Los zombis que conocemos hoy en día son, sin lugar a dudas, hijos de Romero.

De entre sus películas, aunque aprecio considerablemente la segunda que reincidía sobre el tema, The Crazies (1973), mi favorita sigue siendo Dawn of the Dead (1978). Si bien muchos interpretaron que Romero, en su ópera prima, alertaba sobre una sociedad dominada por el gobierno en la que todavía se respiraba un latente racismo, así como denunciaba la decadencia de un modelo familiar que seguía teniendo al hombre como pilar de sustento, en su segunda película sobre el tema desarrolló la parábola de una sociedad que vive sometida al poder totalitario de un gobierno que ha elegido ella misma. Titulada en Latinoamérica como El amanecer de los muertos vivientes o simplemente como Zombi en España, la tercera incursión de Romero en el universo zombie arremetía directamente contra la sociedad de consumo ubicando la acción de la película en un centro comercial. Qué adelantado y certero que sería en sus predicciones y cuantos zombis deambulan todavía hoy en día por los templos de la cultura capitalista.

9. Das Kabinet des Dr. Caligari (1920)

Antes de que llegara la que se consideraría primera película oficial de zombis, White Zombie (1932, Victor Halperin), emergía en el seno del movimiento expresionista un muerto viviente con las particularidades de Cesare, el sonámbulo y clarividente de la película dirigida por Robert Wiene en 1920, El gabinete del doctor Caligari. Alejado de las dos líneas principales que desarrollaría después el género, sin duda queda como un precedente único y original, capaz todavía de inquietar y perturbar al espectador. ¿Y qué haría un gótico sin tener un modelo estético como este?

8. The serpent and the rainbow (1988) | I walked with a zombie (1943)

Todo mito y leyenda surge de un concepto real y el origen de los zombies, más allá de una figura metafórica o terrorífica, también tiene el suyo. Wes Craven, tan dado a los excesos cinematográficos y los clichés terroríficos, sorprendía en los años ochenta con una película como La serpiente y el arco iris, en la que un antropólogo llegaba hasta Haití buscando una extraña substancia que podría ser utilizada con fines médicos y que no era otra cosa que, aquello que ingerido antes de morir, llevaba a los "muertos" a volver en forma de zombis. Una línea argumental que se alejaba de la de George A. Romero, pero que tenía un precedente tan interesante como aquella cinta de terror dirigida por Jacques Tourner y producida por Val Newton, en la que los zombis ya estaban vinculados con el vudú y la magia negra y que, más que ser una maldición sobrenatural, estaba provocado por el hombre.

7. Braindead (1992)

Para los más jóvenes es probable que el nombre de Peter Jackson esté asociado principalmente a las adaptaciones de J.R.R. Tolkien, pero para aquellos que fuimos adolescentes en los años ochenta, siempre será uno de los más divertidos y prolíficos cineastas que hicieron del gore su seña de identidad. Si Bad Taste le puso en boca de todos, con su tercera película, que insólitamente contaba en su reparto con la actriz española Diana Peñalver, trascendía definitivamente al panorama internacional. Un extraño ejemplar de mono-rata es aquí el origen de la maldición que transforma a todos aquellos que muerde en muertos vivientes, pero para mayor disfrute del espectador en un festín de sangre y vísceras que no tiene desperdicio alguno. Si me apuran, casi es más una película gastronómica que otra cosa.

6. 28 Days Later (2002) | 28 Weeks Later (2007)

Que deteste a un cineasta como Danny Boyle, no impide que pudiera disfrutar con una película tan estimulante como 28 días después. En este caso el origen del virus no tenía nada que ver con la magia negra ni era un efecto secundario de la radiación, sino que era de nuevo la acción directa del ser humano sobre un virus inoculado en simios que propagaban el virus ante una irresponsable (e inverosímil) acción de un grupo de ecologistas. El éxito de la película fue tal que un lustro después el virus saltaba de la isla británica hasta el continente en una fabulosa película dirigida por Juan Carlos Fresnadillo, que era incluso mejor que su antecesora. Dos fabulosos precedentes de una miniserie como Dead Set (2008, Charlie Brooker & Yann Demange), que llevaría los zombies a la pequeña pantalla y que se convertiría, para un servidor, en una de las mejores obras sobre zombis que venía a decir que en la cultura audiovisual contemporánea, todos somos zombis.

5. [Rec] (2007)

El mismo año que Fresnadillo propagaba el virus zombi al continente europeo, Paco Plaza y Jaume Balagueró lo extendían por Barcelona. A partir de una premisa tan sencilla como una reportera que acompaña a unos bomberos en lo que parece ser una salida nocturna rutinaria, los cineastas españoles lograban un éxito sin precedentes en el cine español del que se realizarían varias secuelas y un remake estadounidense, Quarantine (2008, John Erick Dowdle), con sus respectivas secuelas. La primera secuela española es incluso mejor todavía que la primera, aunque a la tercera ya no le pillé el punto. Queda todavía por llegar la cuarta.

Algunos pensarán que los españoles se apuntaban a la moda zombi, pero el caso es que el terror ibérico se había llenado de muertos vivientes poco después de que Romero despertara a los suyos. Amando de Ossorio se encargaría de nutrir con bellas e incautas jovencitas a los zombis castizos de La noche del terror ciego (1971), que inauguraría una popular franquicia para los amantes del terror más kitsch. Aunque para excentricidades, la de Jorge Grau, que en una película nada desdeñable como No profanar el sueño de los muertos (1974), proponía que un ultrasonido utilizado por el gobierno para combatir la contaminación era la razón de que los insectos cercanos a una abadía de Manchester enloquecieran y se comieran los unos a los otros, despertando también a los muertos, ávidos de sangre y carne fresca.

4. Resident Evil (2002)

No estoy seguro si el videojuego japonés, Biohazard, fue el primero en introducir zombis en su argumento. Pero desde luego es uno de los referentes que muestran cómo el virus de Romero se extendía por otros medios, en este caso los videojuegos. Quizás no fuera del gusto de todos los seguidores del juego, más conocido como Resident Evil, pero la adaptación que Paul W.S. Anderson dirigía en 2002, con Milla Jovovich de protagonista acabaría convirtiéndose en una rentable franquicia cinematográfica, que incluso tendría una interesante variable dentro del cine de animación con la propuesta japonesa de Makoto Kamiya en Biohazard: Degeneration (2008).

3. Re-animator (1985)

Los años ochenta estuvieron plagados de cine de terror de toda índole, pero entre las propuestas más excéntricas destaca esta adaptación de un relato de H.P. Lovecraft en la que un científico experimenta para alcanzar una fórmula capaz de reanimar a los muertos. Hilarante resulta hoy en día recordar que la película se promocionara aludiendo a un individuo que había muerto de un ataque al corazón viendo la película en un cine de los Estados Unidos, lo que no impidió que tuviera un recorrido por todo el mundo, logrando además el premio a la mejor película en el festival de cine fantástico de Sitges. Dirigida por Stuart Gordon y producida por Brian Yuzna, posteriormente tendría un par de secuelas tan delirantes como Bride of Re-Animator y Return of the Living Dead III, ambas ya dirigidas por Yuzna.

2. The Evil Dead (1981)

A pocos días del estreno de Evil Dead, remake de la famosa película de culto dirigida por Sam Raimi, justo es reivindicar un título que la mayoría descubrimos en la estantería del videoclub del barrio. No sé hasta qué punto podrán apreciarla las nuevas generaciones, algunos de los que no la vieron en su momento no han podido encontrar en ella los mismos aciertos y virtudes que los que sí la vimos. Pero, en cualquier caso, Raimi se las ingenió para hacer dos secuelas y convertirse, poco a poco, en uno de los cineastas más reclamados por la industria de Hollywood. Paradigma de esas películas adolescentes en las que un grupo de jóvenes calenturientos pasan un fin de semana en una cabaña en el bosque, en Posesión infernal, ellos mismos acabarán convertidos en zombis (o algo parecido) cuando despierten unas poderosas fuerzas malignas después de encontrar el Libro de los Muertos. Una de las primeras películas en las que humor y terror congeniaban a la perfección.

1. Shaun of the Dead (2004)

Pero quizás uno de los títulos que seguro no nos importaría ver programado una y otra vez en Semana Santa, o en cualquier otra época del año, es la que fuera ópera prima de Edgar Wright. Descrita como "una comedia romántica con zombis", el cineasta británico conseguía hacer una película fresca y divertida en la que le daba la vuelta a todos los clichés del género, pero que no dejaba de lado las dobles lecturas de la sociedad contemporánea, todavía mucho más alienada hoy en día que aquella a la que hacía referencia George A. Romero.

Ethan Hawke y Lena Headey protagonizan The Purge, la segunda película dirigida por James DeMonaco que se presenta como un claustrofóbico thriller, bajo el que se esconde una fuerte y contundente crítica social y política ¿O es al revés?El márketin y la promoción funcionan a veces como un cuchillo de doble filo. Mientras unos estarán encantados en comprar una entrada para ver una película de los creadores de Paranormal Activity y Sinister —referiéndose sólo a alguno de los productores—, ese mismo reclamo servirá para mantener alejados a otros —que desconocerán que también está relacionada con remakes tan inofensivos como los de The Amityville Horror, The Texas Chainsaw Massacre, Friday the 13th o A Nightmare on Elm Street. Tanta confusión de referentes nos conduce a la desorientación, porque con esa sencilla propuesta de que 'una noche al año, todo crimen es legal', creo que resulta lo suficiente atractiva como para llamar la atención de cualquier tipo de espectador. Más todavía si esa ley, bajo la que se ampara la premisa que sostiene el argumento de la película, resulta tan sugerente como terrorífica. Siempre dependiendo del punto de vista ético y moral con el que cada uno la aborde.

No me extraña en absoluto que The Purge haya sido número uno en la taquilla de los Estados Unidos. No es que la segunda película como director de James DeMonaco tenga todos los ingredientes para seducir a los espectadores norteamericanos, es que tiene el principal: la violencia. Además se trata de una violencia limpia, depurada y totalmente exenta de sexo. Tal es así que incluso podría haber superado aquella censura de los tiempos de la caza de brujas. La alusión no es gratuita, porque, lo que en realidad propone es una feroz crítica a esas políticas de derechas que amparándose en el neoliberalismo ponen a la altura de la suela de sus zapatos los derechos de los más desfavorecidos. Para no herir sensibilidades distanciarse del presente, nos sitúa en un futuro distópico (e idílico) en el que el paro se ha reducido al uno por ciento, el crimen se ha establecido en su nivel más bajo y la violencia apenas existe… salvo por una noche en la que todo acto violento es permitido legalmente y no necesita justificación alguna (el sueño y paraíso tanto de políticos como de mafiosos).

Un planteamiento formidable que deja claros los conflictos éticos y morales a los que se enfrenta la familia modelo protagonista. De esas que dicen que prefieren no participar, pero están a favor de que se celebre tan "entrañable" carnicería, para liberación de los malos pensamientos y no soliviantar a sus propios vecinos. Tampoco es menos interesante el planteamiento formal bajo el que se plantea el desarrollo de la trama principal, tanto por lo que pretende hacer el novio de la hija, como por el acto de solidaridad con el que el hijo pone en riesgo la integridad, física y moral del núcleo familiar. Pero de nada sirven tantas buenas intenciones y un planteamiento así de contundente sin un adecuado desarrollo de la trama y la intensidad y profundidad psicológica que hubieran requerido los personajes. Si por un lado podemos intuir los vínculos evidentes que la ley de esta "renacida" nación mantiene con la famosa ley de la película de Kinju Fukasaku, Battle Royale (2000), también se pueden desenmarañar los que extiende soterradamente con una película española como Secuestrados (2010, Miguel ángel Vivas). Un extraordinario thriller emocional y sensorial que quizás no recibió el merecido reconocimiento por parte del público y que responde al planteamiento de una familia acosada en su fortificada mansión, que ya fuera bochornosamente plagiado por Joel Schumacher en Trespass. Precisamente, la película de Vivas ya recogía la influencia de Funny Games, que algunos acusan en The Purge, pero mientras el cineasta español sabía extrapolar la premisa de Michael Haneke a sus territorios argumentales y emocionales, el neoyorquino la desaprovecha en todo momento.

De nada sirve contar con actores tan solventes como Ethan Hawke y Lena Headey. Tercera colaboración del primero con el cineasta de Brooklyn, si tenemos en cuenta tanto que en 2005 protagonizaba el remake que Jean-François Richet dirigía de Assault on Precint 13, según guión de DeMonaco, como que también protagonizaba su debut en la dirección,Staten Island, cuatro años después. Para ella supone una nueva incursión en el cine antes de que la veamos en 300: Rise of an Empire y después de haber participado en Dredd y The Mortal Instruments: City of Bones, únicas colaboraciones cinematográficas que se ha permitido mientras integraba uno de los personajes más estimulantes de Game of Thrones. Si a duras penas me cuesta creer que sean verdaderamente un matrimonio, mucho menos los vínculos que se supone debieran establecer con sus hijos. Es posible que forme parte de esta crítica a una sociedad totalmente deshumanizada, pero no contribuye a dotar de credibilidad a ese conflicto al que se enfrentan.

Sin desmerecer las aportaciones de Edwin Hodge, como el único elemento verdaderamente hostil y cuya eliminación es justificable para casi todos los protagonistas de la película —anticipándose a la resolución del caso de George Zimmerman, absuelto por la muerte de Trayvon Martin—, ni la de Rhys Wakefield, capaz de hacer que se te remueva el estómago con una sonrisa; quizás sea el jovencísimo Max Burkholder —niño prodigio que arrastra una espléndida trayectoria, primordialmente televisiva, y que se me antoja una nueva versión masculina de Christina Ricci—, el único capaz de transmitir el dilema moral al que se enfrenta su familia. Mención aparte merece la breve aportación de Arija Bareikis, que consigue hacerte desear que existiera realmente esta ley para proceder a su eliminación inmediata.

También es cierto que la película contiene momentos espeluznantes, como la simple imagen de jóvenes estadounidenses parapetándose detrás de máscaras sonrientes para cometer crímenes irracionales, o el uso de algunas piezas musicales en determinados momentos, que terminan de confirmar el tono crítico hacia la sociedad que retrata. Momentos que acaban siendo superficialmente efímeros, no consiguiendo en ningún momento mantener esa sensación de morbo enfermizo, que, además, acaba traicionada por unas soluciones dramáticas cada vez más previsibles a medida que avanza la trama. De esta manera, lo que comienza siendo una propuesta sugerente y estimulante, acaba perdiéndose por los mismos pasillos por los que se cruzan una y otra vez unos personajes que nos hacen pensar que, en lugar de una mansión en Los Angeles, estuviéramos en un ala renovada del hotel Overlook —hay quien decía que el propio hotel de The Shining se planteaba como una metáfora de la cultura estadounidense.

Ciertamente, me quedo con el estimulante tratamiento visual de la película —extraordinario para un primerizo como Jacques Jouffret en su primera película como director de fotografía, después de pasar por una larga lista de películas de acción y terror en las que formaba parte del departamento de cámara— y esos conflictos éticos y morales que plantea su trama, así como con la crítica a las políticas defendidas por aquellos sectores más conservadores de la sociedad que, irónicamente, se amparan, la mayoría de las veces, en la religión, cuando en el fondo son los que más se parecen a esos que tanto disfrutan con esta purga.6James DeMonaco nos propone un cine de evasión con implicaciones morales. Una propuesta intelectual sobre el uso de la violencia que acaba traicionada por los clichés del cine de género a través del que se articula y al que se acoge para sostener su trama y presentarla de una manera más convencional y digerible para le público masivo. El error no es el estereotipo, sino la pretensión de llegar al mayor número de público posible, perdiendo autenticidad por el camino. Si su objetivo era que el público se divirtiera a la vez que se planteaba las mismas preguntas que sus personajes, intuyo que ha fracasado, pero si lo único que pretendía era generar un producto vendible y ampliable, sin duda ha acertado de lleno porque el éxito en taquilla de la película le ha puesto en bandeja una primera secuela, aunque no estará dirigida por él, lo que me indica que la ruta a explorar va más por la vía superficial del terror y la acción, que por entender los profundos lazos que la cultura estadounidense ha mantenido a lo largo de su historia con la violencia.

Halloween es una fiesta asociada a la noche y el culto a los muertos. Para celebrar esta fecha hemos recopilado 7 GIFS terroríficos, los cuales pueden servirte de inspiración para posibles disfraces o para elegir una película para ver el fin de semana.

Nos acercamos a la noche de Halloween, también conocida como Víspera de Todos los Santos, Noche de Brujas o Noche de Difuntos, una fecha que siempre se ha asociado a la oscuridad y al mundo de los muertos. Para "celebrarlo" hemos recopilado 7 GIFS terroríficos y celebrar esta fiesta como se merece: con imágenes en movimiento.

La fiesta de Halloween es de origen celta y se celebra la noche del 31 de octubre, sobre todo en países anglosajones (Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Irlanda), aunque, en menor medida, también se festeja en España y Latinoamérica. La palabra viene de una variación escocesa de "All Hallows' Even" (víspera de todos los santos).

Hola, soy Jack Torrance

Si Jack Nicholson llama a tu puerta, mientras estáis en un hotel abandonado en las montañas, deberías pensártelo varias veces antes de abrir. De todos modos, ya te anticipo, que en caso de no hacerlo ya buscará una manera de acabar entrando.

Elegir el motel equivocado

Asegúrate de buscar bien reseñas en Internet antes de decidirte a reservar una habitación en un motel, puede acabar convirtiéndose en unas vacaciones espantosas. Es lo que le ocurrió a Lila Crane, aunque viendo la parte positiva, siempre te puedes encontrar con la mejor interpretación de Anthony Perkins.

Gente mal rasurada

Michael J. Fox es incompatible con inspirar miedo. Sus personajes son entrañables y ya forman parte de la infancia de muchos espectadores. En Teen Wolf interpreta a un joven que se convierte en lobo, personaje que os puede servir para hacer un disfraz rápido para la fiesta de Halloween.

Zombies que piden autógrafos

Los zombies son un clásico de la iconografía de terror. Mitad vivos y mitad muertos, son capaces de llenar películas y videojuegos de alaridos sin sentido. La parte más negativa de ser zombie tiene que ser la cantidad de calzado que se gasta, al caminar arrastrando los pies todo el día.

Nosferatu

Los prejuicios mezclados con la apariencia física de otras personas, son un recurso muy utilizado en el cine de terror. Las chicas con escote o los chicos fornidos no suelen despertar mucho pavor entre el público. Es lo que le ocurre a Nosferatu. Aunque quizás se deba a que es un vampiro, profesión que no está muy bien vista en la sociedad actual.

Pánico a las películas malas

Scream es un clásico de terror juvenil. Para muchos, puede ser una película de dudosa calidad cinematográfica, pero lo cierto es que ya forma parte de la lista de películas míticas de terror. De hecho, ha servido de inspiración de Scary Movie, en la cual se mezcla risa y gritos a partes iguales.

Murciélagos

Al parecer, uno de los animales que más miedo despiertan. Seguramente se deba a su aspecto y a que son animales nocturnos. Si les tienes pavor, puedes hacer como Bruce Wayne y acabar aceptándolos: ¿por qué murciélagos?, porque me asustan. Quiero que mis enemigos compartan mi miedo. Soy Batman.

Muchos dicen de manera despectiva que el cine español de miedo. Pero lo cierto es que sí, puede llegar a dar mucho miedo. Prueba de ello son estas cuatro peliculas de terror españolas.

La semana pasada ya me aventuré a escribir sobre el éxito de 8 apellidos vascos y cómo sirve de ejemplo perfecto para contraatacar la idea de que la piratería es la culpable de todos los males de esta industria. Pero ni es cierto que casi todas las películas españolas son malas ni tampoco es justo despreciar de manera sistematizada una película sólo por el hecho de que sean títulos españoles. Siempre lo he dicho y en este post quiero reafirmarme: cine español hay muy bueno y uno de los mejores ejemplos lo encontramos en el género de terror, el cual ha dado títulos muy buenos. Si no me crees, pégale un vistazo a estas cuatro películas de terror españolas que nada tienen que envidiar a éxitos taquilleros norteamericanos. Vamos con ellas.

Darkness (Jaume Balagueró)

Hablar de Jaume Balagueró es hablar de cine de terror, y del bueno. Si bien una de sus películas más famosas es quizás una de las más flojas de su filmografía -hablo de "REC"- y tiene algunas manchas imborrables en su curriculum -como haber dirigido la película de Operación Triunfo-, también ha dejado auténticas perlas audiovisuales, como "Frágiles", "Los Sin Nombre" o mi favorita: Darkness.

El planteamiento de "Darkness" es bastante clásico: familia que se muda (de Estados Unidos a España en este caso), una madre enfermera, una hija rebelde y un niño pequeño que pinta dibujos en un cuarderno, todo esto ambientado en una casa en medio del campo. A partir de aquí una serie de eventos extraños se irán sucediendo para marcar el devenir del film. Nada nuevo ni revolucionario, pero señores, el ambiente que sabe crear Jaume Balagueró en esta película pone los pelos de punta. Sin duda alguna, una de las mejores películas de terror con sello español.

Los otros (Alejandro Amenábar)

Si bien Alejandro Amenábar es un director muy versátil, capaz de realizar películas tan dispares como "Mar Adentro" y "Ágora" casi seguidas, el cine de terror siempre ha sido uno de sus puntos fuertes. Así lo demostró en 1996 con la maravillosa "Tésis", lo reafirmo en 1997 con "Abre Los Ojos" y acabó por consolidarse en este género -y ganándose al público mayoritario- en 2001 con "Los Otros".

De "Los Otros" poco se puede decir que no se haya dicho ya: de nuevo, una historia bastante tradicional y un manejo de ésta magistral. Tanto la ambientación, como el control de la tensión durante todo el film y la sorpresa final, la colocan como uno de los mayores éxitos dentro del género de terror en España. Muy recomendable.

Buried (Rodrigo Cortés)

Si el planteamiento de las dos películas anteriores es bastante tradicional, el valor de Buried es precisamente el de una idea innovadora y original. Levantó mucha expectación en Sundance 2010 y consiguió hacerse con 3 Goya el mismo año. ¿Por qué? Porque no todo el mundo es capaz de rodar una película que versa sobre la angustia del protagonista para intentar salir de un ataúd enterrado sin aburrir hasta al acomodador y esta película no sólo lo consiguió, sino que supo transmitir la claustrofobia a la perfección.

¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez)

Pero si crees que todas las buenas películas de terror españolas se han rodado en lso últimos 20 años, estás más que equivocado. Un buen ejemplo de ello es "¿Quién puede matar a un niño?" de Narciso Ibáñez, del año 1976. La película cuenta la historia de un matrimonio inglés que llega a un pueblo costero español y pronto acaban en una isla habitada por niños, los cuales son más que hostiles con los adultos. El trailer ya te alerta sobre el hecho de que estás ante una gran película, el film entero no sólo no decepciona, sino que de hecho mejora lo contado. Ríete tú de los niños del maíz.

Os presentamos una galería en la que se muestra cómo nacieron algunos de los monstruos más famosos de la historia del cine. Un viaje que se inicia detrás de las cámaras y que termina en las pesadillas de miles de espectadores.

La mayoría de las películas de terror no serían nada sin los efectos especiales y el trabajo de cientos de especialistas que se encargan de introducirnos en un mundo ficticio en el que jugar con los miedos de los espectadores. Hoy os presentamos una galería en la que se muestra cómo nacieron alguno de los "monstruos" más famosos de la historia del cine.

Gracias a una galería de Reddit os presentamos esta recopilación, en la que podemos encontrarnos imágenes detrás de las cámaras de películas como The Fly, Hellboy 2, The Ring, Robocop o Nightmare on Elm Street 3: The Dream Warriors. Mención especial a Alien, criatura que ayer cumplía 35 años y que hace unos días perdía a su creador, H.R. Giger.

Muchas de estas creaciones monstruosas se han quedo grabada en la mente de los espectadores durante años y años. Personalmente, de pequeño me impactó la escena de Robocop (en la parte superior) en la que uno de los malos de la banda es rociado con ácido para después ser atropellado y saltar en pedazos. Os dejamos un listado con las películas que puedes ver en la galería inferior, en la que se puede ver cómo cobran vida estos míticos monstruos:

• The Terminator
• Beetlejuice
• The Thing
• Star Wars: The Empire Strikes Back
• Total Recall
• The Army of Darkness
• Child's Play
• Robocop
• Nightmare on Elm Street 3: The Dream Warriors
• Alien
• Hellboy 2
• The Ring
• The Fly
  
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Universal Picture trabaja en una serie de reboots de las películas clásicas de terror como The Mummy, Frankenstein, entre otras.

Sí, es tiempo de prepararnos para una nueva oleada de monstruos que están por invadir la pantalla grande. Los clásicos, conocidos monstruos de las películas de terror con las que crecimos y a los que volvemos cada vez que se puede. Estoy hablando de Frankenstein, Dracula, The Wolf Man, Creature Of The Black Lagoon, The Invisible Man, Bride Of Frankenstein y The Mummy.

Parece como si Universal Pictures se dio cuenta de la mina de oro en la que está sentado, ya que tiene los derechos de estos monstruos clásicos. Claro que ha utilizado estos personajes para nuevas cintas como Dracula Untold que está por estrenarse, la gran noticia aquí es que el estudio planea realizar un universo con estos personajes clásicos. Universal Pictures cuenta con franquicias muy rentables como The Fast And The Furious, Despicable Me y Jurassic Park y sumar este universo de terror me parece una muy buena movida.

The Mummy encabeza la lista de los reboots que hará Universal

El día de hoy confirmaron Alex Kurtzman y Chris Morgan el proyecto de Universal de hacer reboots de los clásicos del terror. Estos escritores serán los encargados de las historias, aunque no se ha revelado el equipo completo que llevará a cabo esta serie de películas. Kurtzman fue escritor de The Fast and the Furious, por su parte Morgan participó en Transformers y muchas series de televisión, entre ellas la grandiosa serie Fringe.

La idea de esta franquicia de monstruos se está materializando y aunque tendremos que esperar, ya que la primera película en esta lista es The Mummy para abril del 2016, el futuro suena esperanzador y lleno de terror con estos reboots. Al menos eso es lo que espero, no quisiera ver ni de broma otra versión de The Mummy con Brendan Fraser. Es la primera vez que Universal Pictures estaría trabajando estas películas como un proyecto conjunto y no como películas aisladas. Como dije, esta parece una muy buena idea, esperemos que así sea por bien del cine, de los queridos monstruos y del terror.